Comment réaliser un film?

Avant de pouvoir réaliser un film, vous aurez besoin d'un script, d'un storyboard, d'acteurs et d'accessoires.

Faire un film peut être quelque chose que vous faites pour vous amuser avec des amis, ou comme quelque chose dont vous êtes complètement sérieux. Quoi qu'il en soit, c'est un processus qui prend un peu de temps, entre le choix d'un scénario, le casting de vos acteurs et le tournage du film, mais une fois que vous avez les bases, vous serez prêt à partir. Reportez-vous à l'étape 1 pour démarrer le processus de mise en scène.

Partie 1 sur 4: se préparer au tournage

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Choisissez un script. Un bon scénario peut donner une belle apparence à un réalisateur médiocre, alors choisissez judicieusement. Vous pouvez également écrire un script vous-même, si c'est quelque chose que vous aimez et que vous maîtrisez. Lorsque vous écrivez ou choisissez un script, il y a quelques éléments à rechercher qui peuvent vous aider à choisir le meilleur script possible.
- La structure est la clé d'une bonne histoire. La structure en trois actes est un dispositif couramment utilisé par les scénaristes pour créer une bonne histoire. Cela fonctionne comme ceci: mise en place (Acte 1), confrontation (Acte 2), résolution (Acte 3). Les principaux tournants se produisent à la fin de l'acte 1 et de l'acte 2.
- Un bon script montre plutôt qu'il ne raconte. Vous voulez que votre public devine ce qui se passe en fonction du langage corporel des acteurs, de ce qu'ils portent, de ce qu'ils font et de la manière dont ils prononcent les répliques. Les scénarios sont, par nature, extrêmement visuels.
- Chaque scène doit être dirigée par une ligne de limaces, qui indique si la scène est intérieure ou extérieure, si c'est de nuit ou de jour, et où elle se trouve. (Par exemple: INT. SALON - NUIT.)
- Lorsque vous décrivez une action, tout ce que vous décrivez est le réel, factuel de ce qui sera vu à l'écran. Par exemple, au lieu de dire «John entre dans le salon. Il est en colère parce que sa petite amie l'a quitté», vous diriez «John entre dans le salon. Il claque la porte derrière lui et donne un coup de pied dans le canapé».
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Scénarisez votre script. Le storyboard est extrêmement important pour que vous sachiez comment diriger au mieux chaque scène, quels angles de caméra vous voulez, à quoi vous voulez qu'elle ressemble. Vous n'êtes pas obligé de vous en tenir au storyboard pendant le tournage, mais cela vous donnera un point de départ.
- Les choses que vous couvrirez sont: quels personnages se trouvent dans chaque image, combien de temps s'est écoulé entre l'image actuelle et l'image précédente, où se trouve la caméra dans l'image (à quoi ressemble la photo).
- Votre storyboard n'a pas besoin d'être parfait. Il doit simplement vous donner une idée du script et comment le script doit être tourné.
- Décidez du ton de votre film. Un film graveleux sur un détective privé dans les années 1920 aura une sensation très différente d'une comédie légère sur les dangers de la parentalité. Un excellent moyen de faire échouer votre film est de changer le ton à mi-chemin, de sorte que la comédie légère devienne soudainement une tragédie sans avertissement. Cela ne signifie pas qu'une comédie ne peut pas avoir d'éléments de tragédie, ou vice versa, mais votre film, surtout si vous êtes nouveau dans la réalisation, doit s'en tenir à un seul ton.
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Obtenez du financement pour votre film. Vous ne pouvez pas faire un film sans une sorte de financement, surtout si vous voulez que ce soit un film que des gens autres que votre famille regardent. L'équipement de tournage coûte de l'argent, vous aurez besoin d'accessoires, de lieux, d'acteurs et de techniciens. La plupart de ces choses coûtent de l'argent.
- Si vous allez sur la route du film indépendant, vous devriez toujours essayer de trouver un producteur pour votre film, quelqu'un qui trouvera le financement, vous trouvera les lieux de tournage.
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Acteurs de casting pour chaque rôle. Si vous manquez de financement, vous devrez probablement faire le casting vous-même, mais sinon, c'est une bonne idée d'embaucher un directeur de casting pour faire ce travail. Habituellement, un directeur de casting a accès à plus de moyens pour trouver les acteurs appropriés pour votre film.
- Vous voulez des gens qui ont été dans d'autres films et qui comprennent comment cela fonctionne. Les acteurs de théâtre ne sont pas parfaits pour cela, car jouer dans un théâtre et jouer pour un film est incroyablement différent.
- Il y a de bons acteurs prometteurs qui ne sont pas trop chers. Ce que vous recherchez, c'est du charisme et du talent. Cela signifie généralement ne pas simplement incarner vos amis dans les rôles (à moins que vous ne réalisiez simplement un film pour le plaisir, auquel cas, allez-y).
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Trouvez les emplacements, les accessoires et les matériaux. Les films nécessitent des lieux (une chambre, un salon, un coin de rue, un jardin, etc.) pour filmer. Parfois, vous pouvez filmer gratuitement dans ces endroits et parfois vous devez payer. De même, vous aurez besoin d'accessoires, de costumes, de maquillage et de matériel pour le tournage (un micro, des caméras, etc.).
- Si vous avez un producteur, c'est ce qu'il fera. Assurez-vous d'avoir tout ce dont vous avez besoin et l'autorisation de filmer dans certains endroits. Sinon, vous devrez le faire vous-même.
- Si votre budget est vraiment bas, parlez-en à vos amis et à votre famille. Peut-être connaissez-vous quelqu'un qui est doué pour le maquillage pour vous maquiller, ou peut-être que votre tante a un tas de vêtements d'époque dans son grenier.
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Planifiez de manière appropriée. Si vous n'avez pas une vision claire et un plan sur la façon dont vous allez filmer, à quoi cela va ressembler, ce sera un processus de tournage difficile. Vous devez disposer des détails et vous devez connaître toutes les choses à faire pour assurer le succès d'un processus de tournage.
- Créez une liste de plans. Il s'agit essentiellement d'une liste numérotée de tous les plans du film qui décrit le cadrage, la distance focale, le mouvement de la caméra et les choses que vous devez garder à l'esprit (comme les éventuels problèmes de tournage). Vous pouvez également doubler cela avec le storyboard, ce qui vous convient le mieux.
- Créez une ventilation du script. C'est essentiellement le processus dans lequel vous identifiez chaque élément nécessaire pour tourner le film, y compris l'emplacement, les accessoires, les effets, etc. Encore une fois, ce sera plus facile si vous avez un producteur pour vous aider.
- Tech scout avec tous vos techniciens. Cela signifie aller sur les lieux des films et revoir chaque plan avec vos techniciens afin que tout le monde sache exactement à quoi s'attendre pour chaque plan. Vous pouvez discuter des problèmes qui peuvent survenir (des choses comme l'éclairage spécifique, les problèmes de son, etc.).
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Planifiez les prises de vue. Si vous pouvez obtenir un bon 1er AD (assistant réalisateur), vous le voudrez. C'est la personne qui crie après les acteurs si nécessaire et qui fait des choses comme, prend toutes les notes pendant le scout technique et qui planifie tous les plans.
- Planifier les prises de vue signifie essentiellement définir le calendrier du moment où les plans seront filmés. Ce n'est presque jamais dans l'ordre chronologique, mais cela a généralement plus à voir avec l'éclairage ou la configuration de la caméra.

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Partie 2 sur 4: travailler avec les acteurs

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Pratiquez le script avant de tourner. Cela semble être une étape très évidente, mais c'est vraiment important. Lorsque vous arrivez à la partie réelle du tournage, vous voulez que les acteurs soient à l'aise avec leurs répliques et leur blocage.
- Commencez par exécuter un script, où vous et vos acteurs vous asseyez autour d'une table et parcourez chaque scène. Ils seront plus à l'aise avec les mots, avec vous et entre eux, ce qui rendra la partie tournage beaucoup plus facile.
- Les acteurs vraiment talentueux n'ont pas nécessairement besoin de beaucoup de répétition avant le tournage et il peut être préférable de ne pas trop répéter des scènes très émotionnelles afin qu'elles soient fraîches pour le tournage, mais cela ne fonctionne qu'avec des acteurs chevronnés et talentueux, donc si vous travaillez avec des acteurs amateurs, pratiquer le scénario avant le tournage est une bonne idée.
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Assurez-vous que les acteurs ont appris leurs répliques. Un acteur ne peut pas donner une performance époustouflante sans connaître son scénario en arrière et en avant. Vous ne voulez pas qu'ils se présentent soudainement sur le plateau le jour du tournage sans avoir appris leurs répliques. C'est pourquoi les répétitions sont si importantes.
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Expliquez le sous-texte de chaque scène. Cela signifie ce qui se passe dans la scène au-delà du simple dialogue. Il indiquera également à un acteur quelles sont les véritables intentions de son personnage, dans la scène et dans le film, ce qui déterminera comment vous les dirigez.
- Moins est plus en jouant dans un film. Ce que vous voulez pour vos acteurs, c'est une présence forte qui se montre même quand ils ne font rien. Un acteur qui peut attirer les spectateurs dans le personnage sans faire grand-chose.
- Par exemple: John, notre protagoniste en colère d'en haut, va être joué différemment selon qu'il déteste sa petite amie pour l'avoir quitté, ou s'il est toujours amoureux d'elle (ou des deux).
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Soyez calme, concentré et clair. Le cliché du réalisateur en colère et hurlant n'est que cela, un cliché. En tant que réalisateur, vous êtes le responsable (si vous n'avez pas de producteur), ce qui signifie que tout le monde va se tourner vers vous pour une direction calme et claire.
- C'est pourquoi le storyboard et la ventilation du script sont si importants. Vous pouvez vous y référer pour chaque scène et pour montrer votre vision à ceux qui travaillent pour vous.
- N'oubliez pas qu'un film est réalisé sur la base des contributions de nombreuses personnes différentes, même si le réalisateur et les acteurs obtiennent l'essentiel du crédit. Il est préférable de ne pas se comporter comme si vous étiez la chose la plus importante sur le plateau, lorsque vous avez affaire à votre casting et à votre équipe.
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Donnez des instructions spécifiques. C'est pour les acteurs. Si vous avez expliqué le sous-texte à vos acteurs et votre vision du film, il ne devrait pas y avoir trop de problème pour eux de faire ce qu'ils doivent faire dans leurs scènes, mais il est important que vous donniez des instructions spécifiques, même celles. comme "réessayez cette ligne plus rapidement."
- Prenez de nombreuses notes. Sur votre liste de plans, notez les choses essentielles à la caméra que vous voulez que vos acteurs fassent. Plus vous serez clair et détaillé dans vos retours et vos demandes, plus il sera facile pour les acteurs et l'équipe de donner suite à votre vision.
- Donnez des commentaires négatifs ou détaillés aux acteurs en privé. Vous pouvez même le faire lorsque d'autres personnes sont présentes, à condition que seul l'acteur qui reçoit le feedback l'entende. De cette façon, personne n'est embarrassé ou offensé.
- Assurez-vous de donner une rétroaction positive. Les acteurs aiment savoir que leur travail est apprécié et qu'ils font ce qu'il faut. Assurez-vous de leur faire savoir cela, même si c'est quelque chose d'aussi simple que "J'ai vraiment aimé ce que vous avez fait dans la dernière scène; essayons cela lorsque nous filmons le plan."
- Parfois, si vous avez un très bon acteur, il est préférable de le laisser faire son propre truc sans beaucoup de direction. Même si cela ne va pas toujours dans la direction que vous aviez prévue, les scènes et le film lui-même ont la possibilité d'aller dans une direction nouvelle et fraîche.

Jouer pour un film est incroyablement différent — Les acteurs de théâtre ne sont pas parfaits pour cela, car jouer dans un théâtre et jouer pour un film est incroyablement différent.

Partie 3 sur 4: tournage du film

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Connaître les différents types de prises de vue et angles de prise de vue. Lorsque vous dirigez, vous aurez besoin de connaître les différents types de plans, d'angles de caméra et de mouvements de caméra afin de savoir comment filmer chaque scène et ce que vous essayez d'obtenir de chaque scène. Différents angles et types de plans modifient la sensation d'une scène.
- Cadrage (ou longueur de prise de vue): plan très long (généralement un plan d'établissement, à moins d'un quart de mille), plan éloigné (il s'agit d'un plan "grandeur nature" qui correspond à la distance entre le public et l'écran dans un cinéma; il se concentre sur les personnages et les images d'arrière - plan), plan moyen (il est généralement utilisé pour les scènes de dialogue ou un gros plan sur une certaine action et contient généralement 2 à 3 personnages à partir de la taille), gros plan (ce plan se concentre sur un visage ou un objet avec l'arrière-plan flou, généralement utilisé pour entrer dans l'esprit d'un personnage), très gros plan (se concentre généralement sur un détail spécifique comme une bouche ou des yeux, généralement utilisé pour une sorte d'effet dramatique).
- L'angle de la caméra désigne la relation entre la caméra et tout ce qui est filmé et donne des informations émotionnelles au public sur l'objet ou le personnage de la photo. Vue à vol d'oiseau (montre une scène directement au-dessus de la tête, mettant le public dans une position divine et rendant les choses normales méconnaissables), grand angle (cela place la caméra au-dessus de l'action à l'aide d'une grue et donne une sorte de vue d'ensemble de ce qui se passe), au niveau des yeux (c'est un angle plus neutre avec la caméra agissant comme un autre humain observant la scène), faible angle (a tendance à faire ressentir au public un sentiment d'impuissance ou de confusion et alors qu'il regarde un objet, il peut inspirer la peur ou la désorientation), angle oblique / incliné (utilisé dans de nombreux films d'horreur, ce plan inspire un sentiment de déséquilibre, de transition et d'instabilité).
- Les mouvements de la caméra font paraître l'action plus lente que les coupes rapides, mais cela peut aussi avoir un effet plus «réaliste». Panoramique (scanne une scène horizontalement), s'incline (scanne une scène verticalement), plans de diabolo (également connus sous le nom de plans de suivi / camionnage, où la caméra suit l'action sur un véhicule en mouvement), prises de vue à la main (la caméra Steadicam rend les prises de vue à main levée moins saccadées, tout en insufflant un sentiment d'immédiateté et de réalisme), des prises de vue de grue (il s'agit plus ou moins d'un coup de chariot en l'air), des zooms (cela change le grossissement de l'image, en changeant le position du public lentement ou rapidement), prise de vue aérienne (prise de vue similaire à celle de la grue, mais prise depuis un hélicoptère et généralement utilisée comme prise de vue au début du film).
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Entrez à l'heure de l'appel. C'est essentiellement à ce moment que l'équipage intervient pour tout mettre en place. Si vous avez un assistant réalisateur, il n'est pas vraiment nécessaire que vous soyez là, mais c'est une bonne idée de le montrer quand même. Vous pouvez commencer à réfléchir aux prises de vue de la journée et à réfléchir à la meilleure façon de les faire et à savoir si vous devez changer quoi que ce soit.
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Répétez le tir. Avant de commencer la prise de vue et pendant que votre équipe technique installe l'équipement, faites passer les acteurs à travers le plan et déterminez ce qu'ils vont faire par rapport à la caméra (où ils seront debout, quel type de plans vous utiliseront, comment ils vont dire leurs lignes).
- Faites des essais avec le viseur pour tester l'apparence des différentes prises de vue. À ce stade, vous souhaiterez peut-être modifier et redéfinir certaines de vos scènes et plans pour obtenir la meilleure scène possible.
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Préparez la prise de vue. Pour chaque prise de vue, vous aurez besoin de connaître la distance focale, le placement de la caméra, les marques des acteurs (où ils doivent se tenir, etc.), les objectifs à utiliser et le mouvement de la caméra. Vous allez mettre en place le plan, en utilisant toutes ces différentes considérations, avec votre directeur de la photographie.
- Maintenant, selon le type de réalisateur que vous êtes et le type de directeur de la photographie que vous avez (peut-être que c'est vous qui décidez des plans), vous devrez donner plus ou moins de direction. Discutez avec eux de l'éclairage et de la prise de vue jusqu'à ce que la photo soit prête à être prise.
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Filmez la photo. Le tournage ne prend pas si longtemps et c'est généralement une courte scène qui est tournée. Vous parcourez la scène, en utilisant le mouvement de la caméra, le placement, etc. que vous aviez déjà couvert avec votre directeur de la photographie. Lorsque vous appelez cut, vous êtes prêt à passer à la recherche de la prise pour voir comment elle s'est déroulée.
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Passez en revue la prise. Examiner immédiatement la prise sur le moniteur vidéo vous permet de déterminer comment améliorer la scène, à quel point la scène se rapproche de votre idée originale. Ensuite, vous répéterez la scène jusqu'à ce qu'elle résiste à votre examen.
- Ceci est très différent de la révision ultérieure des prises dans la salle de montage. Là, vous avez le temps, la clarté et la perspective de voir tout ce que vous auriez pu faire pour améliorer cette scène.

Surtout si vous voulez que ce soit un film que des gens autres que votre famille regardent — Vous ne pouvez pas faire un film sans une sorte de financement, surtout si vous voulez que ce soit un film que des gens autres que votre famille regardent.

Partie 4 sur 4: terminer

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Montez le film. Ce que vous essayez de faire à ce stade, c'est d'assembler les montages du film de manière transparente, fluide et cohérente. En règle générale, vous voulez couper dans l'action, de sorte qu'il n'y ait pas beaucoup de non-action ennuyeux pour le public. Cela signifie que vous passez d'un plan à un autre au fur et à mesure que l'action est exécutée (comme John ouvrant la porte du salon). Vous rejoindrez les plans avec la première partie du mouvement de John dans le plan large et la deuxième partie dans un plan plus serré.
- Couper sur un mouvement entre images est typique d'un plan de révélation. Par exemple, plan moyen sur deux hommes qui parlent, un homme bouge et révèle un gros plan sur le visage du méchant.
- Coupure dans un cadre vide, où le sujet entre en jeu. Par exemple, cela est souvent utilisé lorsque quelqu'un sort d'une voiture, où vous ne voyez que le pied. Le pied entre dans le cadre vide.
- N'oubliez pas, lorsque vous coupez, qu'il faut environ 2 images de film (soit environ 12e de seconde) pour que les yeux de votre public passent d'un côté de l'écran à l'autre.
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Faites la composition musicale. Pour votre bande originale, vous voudrez vous assurer qu'elle fonctionne bien avec le film. Il n'y a rien de pire qu'une partition qui ne correspond pas au ton et à l'apparence d'un film. Lorsque vous discutez de la composition musicale avec votre compositeur, parlez de choses comme le style de musique, l'instrumentation, la vitesse de la musique, les indices musicaux, etc. Un compositeur de musique a besoin de connaître votre vision du film pour faire une partition appropriée.
- Écoutez les pistes de démonstration qu'un compositeur vous donne, afin de savoir comment cela se passe et où des modifications doivent être apportées.
- Maintenant, si vous faites la musique vous-même, vous devez vous assurer que vous ne volez pas de musique protégée par le droit d'auteur pour votre film, car vous pouvez avoir des ennuis pour cela. Souvent, vous pouvez trouver des compositeurs bon marché dans votre ville. Ce ne sera pas de niveau professionnel (mais alors, votre film ne l'est probablement pas non plus), mais cela peut toujours donner un bon son.
- Il y a une différence entre la bande son et la partition. La bande-son est une musique préalablement enregistrée qui correspond à une scène ou à une séquence à travers le contenu, le rythme et l'ambiance. La partition est une musique qui accompagne spécifiquement certaines images ou certains motifs dans un film (comme le "thème du requin" dans Jaws).
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Ajoutez le mixage sonore. Cela signifie s'assurer que la bande son convient au film fini et édité. Cela signifie également entrer et ajouter des sons qui doivent être ajoutés, ou améliorer les sons déjà en place. Vous pouvez éditer les sons qui ne devraient pas être là (comme un avion qui passe au-dessus) ou éditer les sons qui devraient l'être.
- Le son diégétique signifie qu'un son est produit par quelque chose que le public peut voir dans l'image ou la prise de vue. Bien que cela soit généralement capturé lorsque vous filmez, il est presque toujours amélioré plus tard, ainsi que l'ajout d'éléments tels que le son ambiant (à l'extérieur) et la tonalité de la pièce (à l'intérieur) pour couvrir des choses comme un avion qui passe au-dessus de votre tête, mais pour faire le bruit de fond pas silence absolu.
- Un son non diégétique signifie qu'un son provient de l'extérieur de l'image, comme dans une voix off ou la partition musicale.
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Montrez votre film terminé. Maintenant que vous avez tourné votre film, l'avez édité et ajouté tous les différents sons, vous êtes prêt à le montrer. Parfois, cela signifie rassembler des amis et de la famille et montrer votre travail acharné, mais vous pouvez également généralement trouver d'autres voies, surtout si c'est quelque chose qui est important pour vous.
- De nombreuses villes et États ont des festivals de films auxquels vous pouvez participer. Selon la qualité du film, il pourrait même gagner, mais au moins un public plus large que votre famille et vos amis le verra.
- Si vous avez un producteur, c'est généralement quelque chose sur lequel ils ont travaillé et vous n'aurez généralement pas le feu vert sur votre projet s'il n'y avait pas une sorte de distribution prévue après son achèvement.

Combien de temps me faudra-t-il pour faire un film?

Conseils

Lorsque vous corrigez les acteurs, soyez ferme, mais ne soyez pas sournois. Vous avez besoin que vos acteurs vous respectent.
Prendre des cours de théâtre est un excellent moyen pour les réalisateurs d'apprendre les tenants et les aboutissants du métier d'acteur et il sera beaucoup plus facile de les diriger, car vous connaissez les méthodes et la terminologie avec lesquelles ils pourraient travailler.
Si vous voulez vraiment être réalisateur, vous devriez étudier les films que vous aimez pour voir comment le film a été tourné et comment les acteurs ont été dirigés. Vous devriez lire des scripts et des livres sur des films comme Grammar of Film Language.
Laissez les acteurs faire des suggestions tout en restant fermes, car il s'agit de votre production cinématographique.
N'ayez pas peur de changer le script si vous ne l'aimez pas - après tout, c'est votre film. Sois créatif!

Mises en garde

Si vos acteurs ne sont pas à l'aise avec vous, vous n'aurez pas une bonne expérience ou un bon film.
Vous n'allez pas faire du blockbuster la première fois que vous réaliserez un film. Si vous êtes sérieux à ce sujet (et pas seulement pour vous amuser, ce qui est tout à fait bien!), Vous devrez travailler dur et probablement aller à l'école de cinéma.

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