Comment rendre vos illustrations professionnelles?
Si vous n'êtes pas un artiste professionnel et que vous souhaitez simplement améliorer l'apparence de vos illustrations, Adobe Illustrator n'est pas nécessaire.
Un illustrateur est un artiste qui crée des images pour accompagner des publicités, des articles et d'autres médias. La création d'œuvres d'art de qualité professionnelle est un défi, mais n'importe qui peut créer des illustrations brillantes s'il est prêt à prendre le temps de s'entraîner. Vous pouvez améliorer vos illustrations en dessinant régulièrement, en vous poussant à aborder des sujets complexes, et en vous familiarisant avec les programmes numériques utilisés par les pros. Avec suffisamment de travail acharné, votre travail commencera à s'améliorer en un rien de temps!
Méthode 1 sur 3: création d'illustrations dynamiques
- 1Sélectionnez l'emplacement de votre source de lumière pour guider vos ombres et vos hautes lumières. Sélectionnez un seul point dans la composition ou juste à l'extérieur pour placer votre source de lumière. Cela peut être une lampe ou un soleil dans le dessin lui-même ou vous pouvez imaginer une source de lumière en dehors de la composition elle-même. Utilisez la source de lumière tout au long du processus de dessin pour guider vos ombres et vos reflets afin de les garder cohérents.
- Pour créer des ombres dynamiques, la plupart des artistes choisissent de placer la source lumineuse en haut à droite ou en haut à gauche du cadre. Il peut vraiment aller n'importe où, cependant.
- Pour les artistes amateurs, l'ajout de reflets et d'ombres inexacts est l'une des erreurs les plus courantes. Une lumière constante est l'un des meilleurs moyens de donner à une illustration un aspect professionnel.
- 2Esquissez votre conception initiale en utilisant des traits plus légers. Il est difficile de créer une illustration magistrale si vous passez directement au travail de ligne final. Commencez chaque illustration à l'aide d'un crayon ou d'un outil de dessin léger et décrivez les éléments de base de votre croquis. Cela facilitera les ajustements mineurs et détectera les problèmes de composition avant d'aller trop loin dans le processus de dessin.
- La plupart des illustrateurs professionnels travaillent numériquement, mais vous pouvez vous spécialiser dans le dessin physique si vous le souhaitez. De nombreux illustrateurs numérisent ou photographient le travail de leur travail physique et le retouchent numériquement.
Astuce: n'hésitez pas à dessiner ce que vous voulez, surtout si vous ne faites que vous entraîner. Les illustrateurs dessinent un large éventail de sujets et s'appuient sur une variété de styles différents, alors ne vous limitez pas à ce que vous imaginez être des illustrations "professionnelles".
- 3Utilisez une variété de lignes différentes pour créer une composition dynamique. Au fur et à mesure que vous développez votre croquis initial, utilisez différentes tailles et nuances de ligne pour construire votre dessin et créer des formes. Utilisez des lignes plus épaisses pour définir des traits plus nets et des traits plus fins et plus doux pour créer des textures et des ombres. Alternez entre l'utilisation de lignes droites pour ajouter de la définition et des lignes fluides pour développer des formes inégales.
- Par exemple, vous pouvez utiliser des lignes plus dures et plus larges pour délimiter les rainures de l'écorce d'un arbre. Ensuite, vous pouvez utiliser des traits plus légers pour ajouter de la texture et des lignes dentelées aléatoires pour donner des rainures au bois.
- Il existe une exception à cette règle pour les illustrations abstraites et minimalistes. Ces styles utilisent rarement une tonne de lignes différentes et reposent souvent sur un seul type de ligne pour créer un sentiment de cohérence dans le travail.
- 4Utilisez des palettes de couleurs qui frappent le spectateur pour attirer son attention. Les couleurs que vous choisissez sont cruciales pour développer une illustration d'aspect professionnel. Utilisez des palettes de couleurs qui contrastent bien les unes avec les autres et conviennent à votre composition. Par exemple, un dessin minimaliste optimiste peut utiliser du jaune vif, du rose et du bleu bébé. Une image plus sombre peut utiliser uniquement du gris clair, du noir et du blanc.
- Utilisez des nuances de la même couleur pour donner aux images un aspect tridimensionnel et dynamique. Par exemple, un ballon de basket peut être orange clair du côté droit où la lumière rebondit et orange brûlé du côté opposé où se trouve l'ombre. Il peut y avoir 3 à 5 nuances d'orange différentes dans cet objet unique.
- Choisissez des couleurs contrastées pour faire ressortir différents objets. Par exemple, une cravate noire contre une chemise bleue ne se démarquera pas très bien, mais du noir sur du jaune ou du blanc ressortira de la page.
Une lumière constante est l'un des meilleurs moyens de donner à une illustration un aspect professionnel. - 5Incorporez vos couleurs en fonction du support et du style que vous utilisez. Lorsque vous ajoutez vos couleurs, cela dépend de votre processus et de vos outils. Si vous utilisez des crayons de couleur ou des marqueurs, travaillez des tons les plus clairs aux couleurs les plus foncées. Numériquement, vous pouvez créer vos couleurs au fur et à mesure. Ajoutez des nuances d'aquarelle ou d'acrylique au travail physique en dernier et travaillez-les après qu'elles aient séché au besoin.
- L'ajout de couleur en dernier mettra en valeur les couleurs elles-mêmes et améliorera le contraste. L'ajout des contours et du travail au trait en dernier mettra l'accent sur les lignes elles-mêmes. Cela dépend vraiment de ce que vous dessinez et de votre objectif.
- Vous n'êtes pas obligé d'utiliser de la couleur, mais la plupart des illustrations ont tendance à l'utiliser car les couleurs incitent les téléspectateurs à approfondir le produit ou le support avec lequel l'illustration est associée.
- 6Ajoutez vos ombres et rehauts une fois votre sujet développé. Une fois que votre illustration a des détails et des couleurs, commencez à développer les ombres et les hautes lumières. Utilisez des marques plus sombres pour les ombres et des marques plus claires pour les ombres. Placez vos ombres derrière tous les objets du côté opposé de votre source de lumière et faites l'inverse pour vos reflets. Cela donnera à votre illustration une impression de profondeur et la rendra professionnelle.
- Les techniques d'ombrage populaires incluent les hachures croisées, où vous superposez des lignes perpendiculaires les unes sur les autres pour créer de la profondeur, et l'ombrage des contours, où vous ajoutez des ensembles de lignes parallèles en boucle pour donner l'impression que la forme est ronde.
- Si vous travaillez numériquement, l'outil gomme est un excellent moyen d'adoucir les lignes dures et d'ajouter des reflets.
- 7Utilisez des matériaux de haute qualité si vous faites de l'art physique. Procurez-vous de plus beaux crayons graphite dans une variété de densités différentes pour faciliter l'ombrage. Prenez des blocs à dessin avec du papier sans acide pour préserver votre travail. Si vous travaillez à l'encre, achetez un lot de marqueurs d'art haut de gamme pour faciliter la coloration et l'ombrage.
- Si vous travaillez numériquement, rien ne remplace une belle tablette graphique avec un bon stylet. C'est essentiellement le seul matériel dont vous avez besoin pour l'illustration numérique.
Méthode 2 sur 3: améliorer votre technique
- 1Prenez des cours d'art avancés pour améliorer vos compétences globales. Recherchez en ligne des cours dans des galeries ou des magasins d'art locaux. Contactez votre université locale pour envisager de suivre des cours d'art. Trouvez un cours pour artistes avancés pour vraiment pousser vos compétences au maximum et découvrir de nouvelles astuces. Assistez à un cours toutes les 1 à 2 semaines pour vous y tenir et vous améliorer en tant qu'artiste.
- Vous pourrez peut-être suivre un cours en ligne si vous respectez des horaires irréguliers ou si vous travaillez à temps plein. A l'heure d'internet, il y a des ressources partout! Allez sur YouTube ou consultez quelques articles sur les compétences avancées en dessin pour développer votre technique.
- 2Réservez 1 à 2 heures par jour pour illustrer et pratiquer. Il est difficile de créer des illustrations de qualité professionnelle si vous ne dessinez pas régulièrement. Réservez du temps chaque jour pour travailler sur vos illustrations et continuez à vous entraîner. Pour de nombreuses personnes, réserver du temps dès le matin est un excellent moyen de rester motivé et de commencer la journée sur une note créative.
- Ne prenez pas l'habitude de vous forcer à finir des illustrations en une seule séance de 4 à 5 heures. Prendre des pauses et passer du temps sur une image vous empêchera d'avoir une vision en tunnel et de faire des erreurs.
- 3Relevez le défi en abordant des compositions et des sujets plus difficiles. Les illustrateurs sont invités à dessiner un large éventail de sujets. Forcez-vous à vous développer en choisissant des sujets complexes pour vos séances de pratique. Choisissez des perspectives uniques, dessinez les gens sous des angles étranges et travaillez sur le dessin d'objets que vous ne connaissez pas pour développer un meilleur sens pour une variété de sujets.
Astuce: les mains, les yeux, les vélos, les fleurs et les personnages fantastiques sont tous assez compliqués. Ces sujets sont parfaits pour la pratique si vous ne vous sentez pas particulièrement inspiré.
- 4Jouez avec des styles réalistes et abstraits pour vous dépasser. Les illustrateurs ont des styles distincts, mais ils travaillent souvent avec des clients pour créer un travail qui correspond à un article, une publicité ou un autre média. Étant donné que chaque travail est différent, il est important d'avoir une variété de techniques et de styles à votre disposition. Créez une variété d'images réalistes, abstraites, minimalistes et caricaturales pour repousser les limites et vous développer en tant qu'artiste.
- Les illustrateurs créent également souvent des logos. Si c'est quelque chose qui vous intéresse, travaillez sur des maquettes et dessinez des logos pour des entreprises inventées pour voir ce que vous pouvez proposer!
C'est à vous en tant qu'artiste de déterminer à quoi ressemblent réellement les couleurs de votre art. - 5Entraînez-vous en créant des illustrations pour les histoires et les articles que vous lisez. Les illustrateurs sont chargés de créer des images qui correspondent à un produit ou à un média. Choisissez un roman, un article ou un produit et entraînez-vous à créer une image qui lui correspond. Cela donnera à vos illustrations un sens et vous vous améliorerez à prendre un concept de base et à le transformer en une œuvre d'art.
- Par exemple, vous pouvez concevoir une illustration pour le panneau d'affichage d'une entreprise de sodas en dessinant quelqu'un en train de boire une boisson rafraîchissante, ou dessiner une vignette pour un article sur les animaux en voie de disparition en montrant un oiseau majestueux s'envolant de la pollution.
- Illustrer des scènes d'un roman est un excellent moyen de travailler le storyboard et de créer des images narratives qui vont les unes avec les autres!
- 6Tenez un cahier et notez vos idées lorsque vous les obtenez. On ne sait jamais quand l'inspiration va frapper! Gardez un petit carnet dans votre poche et notez toutes les idées que vous obtenez lorsque vous passez votre journée. Utilisez les idées de votre cahier pour choisir des sujets intéressants et entraînez-vous à développer votre art du concept au produit.
- Vous pouvez utiliser un téléphone pour prendre des notes si vous le souhaitez, mais l'utilisation d'un bloc-notes est idéale car vous pouvez faire un croquis rapide de votre idée si vous êtes plutôt un penseur visuel.
- 7Laissez votre style artistique se développer naturellement pour trouver votre voix. C'est bien de copier le travail d'un autre artiste si vous voulez pratiquer ou essayer une nouvelle technique, mais ne vous enlisez pas à essayer de trouver un seul style. Votre personnalité d'artiste se développera naturellement au fil du temps et vous mettre dans un coin ne fera que mettre des limites à votre art puisque vous passerez du dessin amateur à l'illustration professionnelle.
- Si vous êtes vraiment bon dans un style de dessin particulier, il n'y a rien de mal à vous y tenir. Certains illustrateurs se spécialisent dans des types d'art spécifiques, mais de nombreux professionnels utilisent une variété de styles différents pour s'adapter à différents projets.
Méthode 3 sur 3: utiliser un programme d'illustration
- 1Téléchargez Adobe Illustrator si vous souhaitez vous lancer dans l'illustration professionnelle. Adobe Illustrator est le standard de l'industrie. Vous pouvez utiliser le programme pour créer une œuvre à partir de zéro, éditer l'art physique pour le retoucher et jouer avec les couleurs et les filtres pour donner à votre art l'aspect le plus professionnel possible. Allez sur le site Web d'Adobe et payez pour télécharger le programme sur votre ordinateur.
- Illustrator est basé sur un abonnement. Vous devez payer 15€ par mois pour le garder sur votre ordinateur. Si c'est trop, il existe de nombreuses alternatives moins chères ou gratuites.
- Si vous souhaitez modifier une œuvre d'art physique, vous avez 2 options. La première consiste à utiliser un scanner pour créer une copie numérique de votre art. L'autre option consiste à photographier l'œuvre d'art et à importer la photo dans l'illustrateur.
Astuce: Adobe Illustrator et Adobe Photoshop sont très similaires, mais il y a une différence clé qui change tout. Photoshop utilise des pixels, tandis qu'Illustrator utilise des vecteurs. Cela signifie que les images dans Photoshop sont déformées lorsque la résolution est modifiée, mais tout ce que vous créez dans Illustrator conservera ses détails lorsque vous jouerez avec l'échelle.
- 2Utilisez un programme d'illustration alternatif si vous êtes un pigiste ou un amateur. Si vous n'êtes pas un artiste professionnel et que vous souhaitez simplement améliorer l'apparence de vos illustrations, Adobe Illustrator n'est pas nécessaire. Affinity Designer est l'option la plus populaire, mais Sketch et Vectr sont également d'excellents choix. Inkscape et BoxySVG sont également des options gratuites et populaires. Allez en ligne et téléchargez un programme d'illustration.
- Il est très difficile de créer des illustrations de qualité professionnelle sans retoucher vos images numériquement. Fondamentalement, chaque illustration que vous voyez dans les produits, les publicités et les publications est éditée avec un programme d'illustration.
- 3Retouchez votre art en ajoutant ou en modifiant le travail au trait et les textures. Sélectionnez l'outil pinceau et ajustez la taille, la forme et la transparence de la ligne. Utilisez une tablette, un bloc-notes ou votre souris pour ajouter des éléments mineurs à votre illustration. C'est parfait pour faire de très petits ajustements qui sont difficiles à faire sur papier. Téléchargez des packs de textures ou utilisez les textures préchargées pour transformer des nuances de couleurs plates en surfaces dynamiques.
- Vous pouvez transformer n'importe quoi en texture en convertissant une image en un nouveau calque et en modifiant la transparence.
- 4Apportez des modifications plus importantes en ajoutant des calques ou des images supplémentaires. Pour combiner ou ajouter de nouveaux éléments à une image, utilisez l'outil de calque pour ajouter une autre surface à l'illustration. Ensuite, importez la deuxième œuvre d'art ou un objet numérique pré-rendu. Déplacez-le sur l'illustration pour créer des collages dynamiques et des motifs complexes.
- Travailler en couches est l'une des parties les plus difficiles de la maîtrise d'un programme d'illustration. C'est absolument essentiel si vous voulez jouer avec des changements majeurs, cependant.
- Vous ne pouvez pas importer ou utiliser l'art de quelqu'un d'autre dans votre illustration.
Les illustrateurs dessinent un large éventail de sujets et s'appuient sur une variété de styles différents, alors ne vous limitez pas à ce que vous imaginez être des illustrations "professionnelles". - 5Ajustez les niveaux de lumière et les couleurs pour faire ressortir votre illustration. Tirez les curseurs de couleur pour ajuster les couleurs globales et jouer avec la saturation. Pour modifier les couleurs d'objets individuels, utilisez l'outil de coupe pour isoler ou découper des pièces de l'œuvre d'art et ajustez ses couleurs séparément du reste de la pièce. Jouez avec les couleurs de votre art jusqu'à ce que vous soyez satisfait de son apparence.
- La saturation fait référence à l'intensité des couleurs. Les illustrations professionnelles sont souvent très saturées pour faire ressortir les couleurs autant que possible. Cela attire les gens et les amène à regarder les médias associés à l'illustration.
- Il n'y a pas de règles strictes en matière de couleur. C'est à vous en tant qu'artiste de déterminer à quoi ressemblent réellement les couleurs de votre art.
- 6Utilisez des filtres pour changer complètement l'œuvre d'art et lui donner un nouveau look. Il existe une variété de filtres intégrés à votre programme d'illustration, mais vous pouvez trouver des filtres supplémentaires en ligne. Les filtres appliquent une texture ou un style uniforme à une œuvre d'art sans que vous ne fassiez quoi que ce soit à la main. Vous pouvez utiliser des filtres pour donner l'impression que votre image provient d'une bande dessinée, lui donner l'impression qu'elle a été imprimée dans un journal ou ajuster votre dessin avec un motif ou une texture.
- Les illustrateurs professionnels utilisent les filtres avec parcimonie et les utilisent rarement pour changer radicalement une image, mais ils peuvent certainement donner à votre dessin un aspect professionnel sans trop de travail.
- Si vous souhaitez devenir illustrateur professionnel, créez un portfolio et créez un site Web personnel pour partager votre travail et vous faire connaître.
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